Тренды дизайна. Квартира. Стили. Материалы. Напольные покрытия
  • Главная
  • Стили
  • Временные рамки эпохи возрождения. Периодизация возрождения

Временные рамки эпохи возрождения. Периодизация возрождения

Господствующей философией в средние века была религия . Природа понималась как результат божественного творения. В средневековую эпоху природа и человек как бы уравновешиваются, так как все в руках Бога. В этой связи средневековая философия всегда противопоставляла природе , т.е. земному, некое абсолютное, духовное начало - Бога, стоящего и над природой и над людьми. Отношение людей средневековой эпохи к природе выражалось уже не как стремление слиться с ней, жить с ней в согласии, что было характерно для античной философии, а возвышением над ней, как чем-то неизменным.

Несогласных с догматами церкви именовали еретиками и в эпоху средневековья сжигали на кострах. Тем не менее уже в XIII в. РОДЖЕР БЭКОН (1214–1292) заявил, что живые и неживые тела природы состоят из одних и тех же материальных частиц. Работы Р. Бэкона были опубликованы лишь в XVIII в., так как его идеи могли оказать нежелательное влияние на современников.

К XV-XVI вв. фактически заканчивается история средневековой философии и наступает так называемая эпоха Возрождения,было воскрешено и развито то рациональное, что содержалось в трудах великих греческих философов.

Труды Николая Коперника, Галилео Галилея, Джордано Бруно и др. разрушили монопольное господство религиозных взглядов на мир.

НИКОЛАЙ КОПЕРНИК (1473-1543) - великий польский астроном, творец гелиоцентрической системы мира, а также теории о вращении Земли вокруг Солнца, о суточном вращении Земли вокруг своей оси, которая вступала в противоречие с существовавшими представлениями о Земле как избраннице Божией, стоящей, согласно схеме Птолемея, в центре мира.

ДЖОРДАНО БРУНО (1548-1600 ) - итальянский ученый эпохи Возрождения, провозгласивший новое прогрессивное мировоззрение, за что был сожжен инквизицией на костре в Риме.

Дополнил систему Коперника рядом новых положений:

■ о существовании бесконечного количества миров;

■ о том, что Солнце не является неподвижным, а меняет свое положение по отношению к звездам;

■ о том, что атмосфера Земли вращается вместе с нею.

Главная идея Д. Бруно - идея о материальном единстве Вселенной как совокупности бесчисленных миров, таких же планетных систем, как наша. В познании природы, считал Д. Бруно, наряду с опытом существенную роль должен играть человеческий разум, а величайшей задачей человеческого разума является познание законов природы.

ГАЛИЛЕО ГАЛИЛЕЙ (1564-1642) - великий итальянский астроном и физик, создатель основ механики, борец за передовое мировоззрение. Галилей развивал и защищал систему Коперника.

В возрасте 25 лет Галилей стал профессором математики. Велики его заслуги в области астрономии:


■ открыл 4 спутника Юпитера;

■ открыл пятна на Солнце и кольца Сатурна;

■ принял теории Коперника о строении Вселенной;

■ считался «отцом» экспериментальной физики, так как верным считал только то, что может быть доказано опытным путем;

■ единственным критерием истины считал чувственный опыт, практику.

ВОСТОЧНАЯ КУЛЬТУРА - народов Кавказа, Средней Азии, арабов и др. - опережала в средние века, вплоть до XIII в., культуру Западной Европы. Передовых деятелей восточной культуры занимали вопросы естествознания, медицины, географии, техники.

Арабы и близкие к ним по языку и культуре народы ввели в европейский обиход магнитную иглу, порох, бумагу и т. д. Наиболее передовые философы Востока, такие, как Ибн Сина (Авиценна), живший в Средней Азии и Иране, арабский философ и врач Ибн Рущд (Аверроэс), оказали сильное положительное влияние на западноевропейских мыслителей.

ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ - это переходный период от средневековых воззрений к культуре нового времени. Идейное развитие стран Западной Европы различалось: в Италии эпоха Возрождения относится к XIV-XVI вв., в других странах - концу XV - началу XVII в.

Отличительной чертой эпохи Возрождения является гуманистическое мировоззрение. Творчество деятелей Возрождения проникнуто верой в безграничные возможности человека, его воли и разума. Пафос утверждения идеала гармоничной, раскрепощенной творческой личности, красоты и гармонии действительности, обращение к человеку как высшему началу бытия, ощущение цельности и стройности закономерности мироздания - все это придает творениям этой эпохи большую идейную значимость, величественность. Начиная с эпохи Возрождения, растет амбициозность человека по отношению к природе. Природа рассматривалась как некая инертная сила, требующая покорения, установления над нею господства разума. В соответствии с этой позицией, которая сохранилась вплоть до середины XX в., природа рассматривалась лишь как источник ресурсов для человека и место для его обитания. Ресурсы природы казались неисчерпаемыми, а следовательно, человеку нечего было ждать милостей у природы - взять их у нее - историческая миссия.

Из ученых этого периода необходимо выделить ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ , который считал исходным пунктом познания опыт.

Путь к истине, с его точки зрения, пролегает через синтез теории и практики, метод индукции должен дополняться дедукцией (дедукция - вывод по правилам логики; цепь умозаключений, звенья которой логически связаны; основное средство доказательства), анализ - синтезом.

«Я хочу сначала установить факт, а затем доказать при содействии разума, почему этот факт такого, а не иного рода».

Это и является тем методом , которым надо руководствоваться всякому исследователю явлений природы. Общепризнано, что применение таких методов познания природы берет свое начало от Р. Бэкона и Г. Галилея, но родоначальником этого этапа развития справедливо считается Леонардо да Винчи.

Гениальный итальянский ученый, художник, инженер, один из выдающихся представителей науки и искусства эпохи Возрождения, родился 15 апреля 1452 г. (умер в 1519 г.) в небольшом городе Винчи, откуда в 1469 г. семья переселилась во Флоренцию. Здесь юноша учился черчению, живописи, скульптуре, изучал основы математики, анатомии, астрономии. Полученные знания стали фундаментом его разнообразной деятельности.

Он занимался геологией, ботаникой, анатомией человека и животных, механику называл «раем» математических наук. В механике был поклонником экспериментальных исследований , как уже отмечалось выше. Пытался построить летательные аппараты (среди сохранившихся рисунков были найдены эскизы парашютов и вертолета ), занимался проектированием больших гидротехнических сооружений и конструкций, которые в те времена не были осуществлены.

Много внимания Леонардо да Винчи уделял проблемам оптики, был близок к формулировке волновой природы света. Он задумывался также над космогонией, вносил новаторские идеи.

Велики заслуги Леонардо да Винчи в области биологии: он открыл щитовидную железу, изучал связь нервов и мускулов , доказал, что большое количество свойств и их разнообразие - это признак совершенства, что потом развивалось Ч. Дарвином.

Обобщая вышесказанное, можно сказать, что эпоха Возрождения:

■ выдвинула в качестве главного признака философствования гуманизм;

■ поставила в центре своего внимания проблему человека.

Это привело к обновлению вопросов, продолжавших оставаться центральными

■ Каков путь познания?

■ Какую роль играют разные методы и способы познания?

■ Что важнее: эмпирический опыт или теоретическое знание?

Возрождение самоопределилось, прежде всего, в сфере художественного творчества. Как эпоха европейской истории оно отмечено множеством знаменательных вех, - в том числе укреплением экономических и общественных вольностей городов, духовным брожением, приведшим в итоге к Реформации и Контрреформации, Крестьянской войной в Германии, формированием абсолютистской монархии (наиболее масштабной во Франции), началом эпохи Великих географических открытий, изобретением европейского книгопечатания, открытием гелиоцентрической системы в космологии и т. д. Однако первым его признаком, как казалось современникам, явился «расцвет искусств» после долгих веков средневекового «упадка», расцвет, «возродивший» античную художественную мудрость, именно в этом смысле впервые употребляет слово rinascita (от которого происходит французский Renaissance и все его европейские аналоги) Дж. Вазари.
При этом художественное творчество и особенно изобразительное искусство понимается теперь как универсальный язык, позволяющий познать тайны «божественной Природы». Подражая природе, воспроизводя ее не по-средневековому условно, а именно натурально, художник вступает в соревнование с Верховным Творцом. Искусство предстает в равной мере и лабораторией, и храмом, где пути естественнонаучного познания и богопознания (равно как и впервые формирующееся в своей окончательной самоценности эстетическое чувство, «чувство прекрасного») постоянно пересекаются.
Термин Renissance (Возрождение) был введен Дж. Вазари - известным живописцем, архитектором и историком искусства для обозначения периода итальянского искусства с 1250 по 1550 годов, как времени возрождения античности, хотя в дальнейшем содержание термина Возрождения эволюционировало, и эпоха Возрождения фактически отождествлялась с началом эпохи гуманизма.
Первоначально черты Ренессанса обнаружились в Италии
Эпоху Итальянского Возрождения условно подразделяют на ряд этапов:
Проторенессанс (дученто) - XII-XIV века.
Ранний Ренессанс (триченто и кватроченто) - с середины XIV - XV вв.
Высокий Ренессанс (чинквеченто) - до второй трети XVI в.
Поздний Ренессанс - вторая треть XVI - первая половина XVII вв.


Первый подъем новой культуры - культуры Возрождения в Италии относится к 12 - 13 вв.

Период XIII - начало XIV вв. - npoтopeнессанс, эпоха дученто, ознаменованный творчеством живописцев Пьетро Каваллини и Джотто ди Бондоне, Период проторенессанса во многом подготовил почву для искусства Возрождения, хотя был кровно связан со средневековым, с романскими готическими и византийскими
традициями. Даже величайшие новаторы этого времени не были абсолютными новаторами: нелегко проследить в их творчестве четкую границу, отделяющую «старое» от «нового». Чаще всего элементы того и другого слиты в неразделимом единстве.
Решительный поворот в сторону утверждения реализма и преодоления средневековой традиции
в итальянском искусстве происходит в XV веке (кватроченто).
В это время складывается множество
территориальных школ, пролагающих пути реалистическому методу. Ведущим центром гуманистической культуры и реалистического искусства в это время является Флоренция.
Невиданный расцвет переживает монументальная фресковая живопись. Ее реформатором, сыгравшим ту же роль, что в развитии архитектуры Брунеллески, а в скульптуре - Донателло, был флорентинец Мазаччо (1401 - 1428), проживший короткую жизнь и оставивший замечательные произведения, в которых нашли продолжение поиски обобщенного героического образа человека, правдивой передачи окружающего его мира. Наиболее значительная из его фресок - «Чудо со статиром»
Значительный интерес к проблемам колорита отличал творчество одного из поэтических живописцев Флоренции- Доменико Венециано (ок. 1410 - 1461), уроженца Венеции. Его религиозные композиции («Поклонение волхвов», Берлин - Далем), наивно-сказочные по трактовке темы, еще несут отпечаток готической традиции. Ренессансные черты ярче проявились в созданных им портретах.
Необычайной тонкости исполнения, очень сдержанных по колориту, светских по характеру произведений добивается Фра Филиппо Липни (ок. 1406 - 1469), типичный представитель раннего Возрождения, сменивший монашескую рясу на беспокойную профессию бродячего художника. В нежных лиричных образах - «Мадонна с младенцем» (ок; 1452, Флоренция, галерея Питти), «Мадонна под вуалью (ок.;1465, Флоренция, Уффици) Липни запечатлел трогательно-женственный облик своей возлюбленной, любующейся пухлым младенцем.
Самый замечательный художник позднего кватроченто - Сандро Боттичелли (1447-1510). Его наиболее прославленные зрелые картины - «Весна» (ок. 1478 г.) и «Рождение Венеры» (ок. 1484, обе - во Флоренции, в Уффици) - навеяны поэзией придворного поэта Медичи А. Полициано и поражают оригинальностью истолкования сюжетов и образов античных мифов, претворенных через глубоко личное поэтическое мироощущение.

Первая треть XVI в.- период Высокого Ренессанса.
Искусство чинквеченто, увенчавшее ренессансную культуру, было уже не местным, а всемирным явлением. Никогда художники не пользовались такой всесветной популярностью, как художники Италии XVI в.
И они ее действительно заслуживали. Хотя по времени культура кватроченто и чинквеченто непосредственно соприкасались, между ними было отчетливое различие.
Кватроченто - это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение.
Чинквеченто - синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность раннего Ренессанса.
Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким. Он связан прежде всего с именами трех гениальных мастеров, титанов Возрождения - Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонарроти.
Они были во всем несходны между собой, хотя их судьбы имели много общего: все трое сформировались в лоне флорентийской школы, а потом работали при дворах меценатов, главным образом пап, терпя и милости, и капризы высокопоставленных заказчиков. Их пути часто пересекались, они выступали как соперники, относились руг к другу неприязненно, почти враждебно. У них были слишком разные художественные и человеческие индивидуальности. Но в сознании потомков эти три вершины образуют единую горную цепь, олицетворяя главные ценности итальянского Возрождения- Интеллект, Гармонию, Мощь.
Подлинным основоположником стиля Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452 - 1519), гений, чье творчество знаменовало грандиозный качественный сдвиг в искусстве.
Представление о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма Возрождения с наибольшей полнотой воплотил в своем творчестве Рафаэль Санти (1483-1520).
Последним титаном Высокого Возрождения был Микеланджело Буонарроти (1475 - 1564) - великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Несмотря на его разносторонние таланты, его называют прежде всего первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника - росписи свода Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце (1508 - 1512).
На период Высокого пришелся расцвет искусства в Венеции.
Среди художников венецианской школы рано умерший Джорджоне (1476 - 1510), обессмертивший свое имя полотнами «Юдифь», «Спящая Венера», «Сельский концерт».

Период Позднего Возрождения был отмечен наступлением католической реакции.

Церковь небезуспешно пыталась восстановить частично утраченную безраздельную власть над умами, поощряя деятелей культуры, с одной стороны, и используя репрессивные меры в отношении непокорных - с другой. Так, многие живописцы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру, технику (так называемый маньеризм) великих мастеров Возрождения. Среди наиболее крупных основоположников маньеризма Якопо Понтормо (1494 - 1557) и Анджело Бронзино (1503 - 1572), работавшие в основном в жанре портрета.
Однако маньеризм, несмотря на мощное покровительство церкви, не стал ведущим направлением в период Позднего Возрождения. Эго время было отмечено реалистическим, гуманистическим творчеством живописцев, относящихся к венецианской школе: Паоло Веронезе
(1528 - 1588), Якопо Тинторетто (1518 - 1594), Микеланджело да Караваджо (1573 - 1610) и др.
Поздний Ренессанс - это время, когда феномен культурного развития, названный Ренессансом, зародившись в Италии, охватил все западноевропейские страны. Это было ярчайшее время взлета творческих, духовных сил общества. Истоки, предпосылки этого качественного скачка во всех сферах духовной жизни Европы в сравнении со Средневековьем следует искать именно в предшествующем периоде.

Средние века - большая эпоха человеческой истории, которая охватывает приблизительно V-XV столетия. Культура европейского средневековья возникла на обломках Римской империи. Ослабление и разрушение централизованной имперской власти сопровождалось мятежами, войнами, упадком морали и хозяйственной разрухой.

В этой грозовой атмосфере всеобщего беспорядка решалась судьба европейской культуры. Три силы определяли ее будущее: >

традиции греко-римской культуры, которые приходили в упадок. Они сохранялись в немногих культурных центрах: античных храмах, библиотеках и художественных мастерских. Среди сторонников этих традиций были высокообразованные люди, но новых идей, которые бы смогли завоевать широкое признание, они выработать уже не могли; >

дух варварства, носителями которого были разные народы, заселявшие провинции римской империи, и те, что нападали на нее извне. Они были воинствующие и злые, идеалы и ценности античного мира были им чужды и непонятны. Если бы им удалось не только разгромить римское государство, но и ввести в нем свой образ жизни, то Европа постоянно была бы местом пребывания диких орд полукочевников, но дух варварства не имел серьезной возможности укрепиться на европейской земле. Духовный мир варварских народов примитивен и беден, он не смог противостоять развитым формам духовной жизни Рима. Нашествия варваров волнами надвигались на европейские земли, но, завоевывая их, смешивались с местным населением и перенимали обычаи и веру; >

христианская религия, которая определяла путь культурного развития Европы. От иудаизма она унаследовала не только идею Единого Бога (монотеизма) и Ветхий Завет, но и элементы старинных восточных культов, которые легли в ее основу. Вместе с тем, учение Иисуса Христа формировало в сознании людей принципиально новые гуманистические установки; таким образом, христианство представляло собой свежее течение, способное вдохнуть новую жизнь в культуру Европы. Тем не менее, эта победа была нелегкой. В самом христианстве было много направлений, в которых отражалось влияние побежденных им сил. Достаточно вспомнить, что в этой борьбе христианские богословы вынуждены были включить идеи античной философии в свои догматы. Большое влияние на христианство имели идеи Филона и Сенеки. Александрийский философ Филон выдвинул идею о прирожденной греховности человека, о необходимости спасения души с помощью страдания. Им было разработано учение о Логосе, которое развивает взгляды иудейской религии на мессию. Филон учил, что мессия носит имя Логос (с греч. logos - слово), что мессия сам является Богом.

Свыше пятисот лет («темные столетия», как иногда называют VI - X ст.) длился период становления новой культуры - 1000 год может быть условно принят за начало периода ее зрелости.

Продолжительная и упорная борьба с греко-римским и варварским язычеством придала специфический вид средневековому христианству и средневековой культуре. Христианство вывело народы Европы из варварского состояния, но при этом уничтожило своих противников, отвергло античные идеалы мудрости, красоты. Богословы постоянно подчеркивали недоверие к человеческому уму, приоритет веры над разумом, опасность «умозрительности». Античное возвеличивание ума было заменено его унижением. Следствием этого был расцвет иррационализма и мистики. Средневековый человек был склонен руководствоваться в жизни не столько логическими соображениями, сколько догматическими установками. Он больше доверял таинственным знакам и символам, мистическим провидениям и рассказам, чем самостоятельному критическому мышлению. Вся природа казалась ему символом высшего, невидимого мира. Символом Вселенной считался церковный храм - «дом Божий», купол которого воспринимался как небесная сфера, портал - как «небесные ворота». Тайный символический смысл придавался отдельным вещам и магическим действиям. Считалось, что изображенные вещи или произнесенные слова имеют особую чудодейственную силу. Так, уже у ранних христиан особым вниманием пользовалось изображение рыбы - по той причине, что на греческом языке слово «рыба» состоит из букв, с которых начинается пять слов: Иссус Христос, сын Божий, спаситель.

Люди жили в атмосфере чуда, которое воспринималось ими как реальность. Самостоятельно мыслящая личность была развита относительно слабо, коллективное сознание доминировало над индивидуальным.

Церковь осуждала античный культ тела как греховный, требуя проявлять заботу о душе, а не о теле. Вместо этого она провозглашала силу культа аскетизма, который стал характерной особенностью средневековой культуры. Прославлялись пустынники, которые отказывались от любых чувственных удовольствий. В особенности греховными считались сексуальные наслаждения. Средневековая церковь допускала их лишь ради рождения детей. Уже сам вид оголенного тела вызывал у верующих негодование. Средневековый идеал красоты полностью отличается от греческого: худая, плоскостная фигура с тонкими руками и ногами, узкими опущенными плечами и изможденным лицом, на котором выделяются глаза, направленные куда-то в неизвестный духовный мир.

Характерные особенности средневекового искусства:

У Средневековое искусство почти полностью было подчинено религии, отсюда его спиритуализм (от лат. вршШаНв - духовный) - объективно-идеалистическое учение, в соответствии с которым дух (душа) является первоосновой мира.

У Церковь была главным заказчиком произведений искусства. Развивалось искусство иконописи. В живописи и скульптуре доминировали библейские сюжеты. Высокого совершенства достигла духовная музыка. Сложились каноны торжественного и величавого «песнопения», возникли такие музыкальные формы, как хорал, месса, реквием.

У Искусство уже не старается изображать природу, ее реальные формы, оно превращается в символ потустороннего. Формируется другая система пластического языка, выразительных средств (декоративность использования золота, плоскостной характер человеческих фигур, нарушение их пропорций и т. п.).

У Мечту о разумном устройстве мира средневековое искусство отражало условным языком (хотя все искусство имеет условный характер).

У Церковь всегда понимала силу искусства, его большое влияние на массы и относилась к нему как к священному писанию для неграмотных, главная задача которого была привлекать к вере.

У Близость к народному творчеству (поэзия, юмор, народные обычаи) отразились на характере средневекового искусства, создается оно руками ремесленников - представителей народа.

Средневековое искусство утратило то ценное, что было достигнуто художниками античности, отвергло идеал гармонично развитого человека, прекрасная внешность которого вмещала в себе мужество и силу духа, ясный и светлый внутренний мир. Но в то же время средневековые мастера отобразили в человеке большое богатство внутреннего мира, страстные душевные переживания, обратили внимание на большое многообразие чувств, отображенных в трогательной драматической форме.

Время расцвета средневекового искусства делится на два периода: романский и готический.

Романский стиль западноевропейского средневекового искусства охватывает период с X до XII ст., когда господство религиозной идеологии было наиболее полным. Главная роль в романском стиле отводилась суровой, оборонительного типа архитектуре - церквям, монастырям, замкам. Внешний вид романских зданий отличался монолитной цельностью и торжественной силой.

Готический стиль - новый и главный этап в истории средних веков, связан с жизнью средневекового города, в это время городская жизнь порождает новые типы зданий, прежде всего светского назначения: биржа, таможня, больницы, рынки. Городская ратуша - здание городского совета - представляло собой двух- или трехэтажное здание с галереей в нижнем этаже, с парадными залами, где заседали городской совет и суд - на втором этаже, со вспомогательными помещениями - на третьем. Особое внимание уделялось сторожевой башне ратуши (беффрук), которая была символом независимости республики, подобно тому, как городской храм был символом благосостояния граждан. На площади перед ратушей происходили диспуты, лекции, разыгрывались мистерии.

Готика - это художественный стиль Западной и Центральной Европы времен позднего средневековья между серединой XII ст. и XV-XVII ст. Готическое искусство, которое пришло на смену романскому стилю, было преимущественно культовым и развивалось в границах церковной идеологии. Больше трех столетий (конец Х11 - начало ХV ст.) продержалась готика во Франции, которая по праву считается родиной классической готики.

Для строительства готических храмов была разработана новая конструктивная система, в основу которой была положена новая каркасная структура, стрельчатые арки и ребристый свод, полуароч- ные формы (аркбутаны) стен и столбов (форсов), в промежутках которых были расположены большие окна, украшенные витражами. На фасадах строились башни, высотой до 150 метров. И извне, и внутри храмы разукрашивались многочисленными скульптурами и каменной резьбой. Здания стали легкими, по композиции направленными вверх.

Итак, для готической архитектуры было характерно: грандиозная высота; большие пространственные окна; каменное скульптурное украшение стен.

Выдающиеся памятники французской готической архитектуры. Самым известным памятником периода ранней готики был собор Парижской Богоматери (1163-1208 г.), архитекторы Жан де Шель и Пьер де Монтро. Храм вмещал до 9000 людей. Западный фасад своей конструкцией служил примером для многих следующих соборов: над тремя перспективными порталами последовательно поднимается так называемая галерея королей, три больших окна с «розой» посередине, две башни. Все части украшены стрельчатыми арками. В конструкции собора Парижской Богоматери четко прослеживаются основные принципы готики: стрельчатый свод, высота которого 35 м, стрельчатые окна, но от «тяжелой» романской архитектуры осталась массивная поверхность стен, приземистые столбы, доминирование горизонтальных ритмов, массивные башни, сдержанный скульптурный декор.

Подобно пирамидам Египта, подобно Парфенону в Афинах или храму Святой Софии в Константинополе, собор Парижской Богоматери будет не только в веках, но и в тысячелетиях свидетельствовать об идеалах и уникальной, художественной культуре

народа, который создал его. Собор Нотр-Дам в Париже

Вершина французской зрелой готики - собор Нотр-Дам в Реймсе (1211-1311 гг.), архитекторы Жан из Орбе, Жан де Лу, Гоше из Реймса, завершил строительство архитектор Роббер из Кусе.

Собор отличается более богатой пластикой. Он представляет собой большую каменную скульптуру. Как и в парижском соборе, главный фасад состоит из трех ярусов с ажурной «розой» посредине и двумя могущественными башнями. Тем не менее, здесь вертикаль легко и в то же время торжественно доминирует над горизонталью, разность между ярусами почти исчезает, а стена полностью заполняется утонченной, почти филигранной архитектурой, которая направляется вверх.

Собор Нотр-Дам в Реймсе Собор в Амьене

Амьенский собор - самый величественный и высокий готический собор во Франции, его длина - 145 м, высота - 42,5 м. Амьенский собор строился 40 лет с 1218 до 1258 года Роббером де Люзаршем и Тома де Корлином. Амьенский собор часто называют «готическим Парфеноном».

Скульптура готики. Тематикой скульптурных произведений, которые украшают фасады соборов, является: статуи святых и аллегорические фигуры; лучшие из них отмечены одухотворенной красотой, торжественностью поз и жестов; в других частях здания - многочисленные светские изображения - сатирические образы, фантастические фигуры зверей (химеры). Такие соборы, как Парижский, Амьенский и Шартрский (на протяжении всего фасада) насчитывают каждый до 2000 скульптур. Скульптура заполняет соборные порталы, распространяется по всему фасаду, используя каждый выступ, каждую архитектурную деталь. Готические скульпторы показали своих современников, какими они были в действительности, без поправок, без обобщений.

Памятники готической скульптуры: 1.

Химеры собора Парижской Богоматери. 2.

Улыбающийся ангел. Статуя западного фасада собора в Реймсе. 3.

Встреча Марии и Елизаветы. Скульптурная группа собора в Реймсе. 4.

Эккегард и Ута. Скульптурная группа собора в Наумбурге.

ИСКУССТВО ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

Итальянское Возрождение (от франц.

«ренессанс», итал. «ринашименто») - этот термин впервые был внедрен Джорджо Вазари, архитектором, живописцем и историком искусства XV ст. для определения исторической эпохи, переходной от средневековой культуры к культуре Нового времени (в Италии ХІV-XVI ст., в других странах Европы конец XV-XVI ст.).

Возникновение Возрождения связано с формированием новых (буржуазных или рыночных) отношений, которые требовали разрушения сдерживающей их развитие средневековой системы. Этот процесс сопровождался переменами в духовной жизни общества. Что составляет непременное условие личного успеха, как не большее знание и умение, большая энергия и упорство в достижении цели? Осознание этой истины заставляло многих современников Возрождения обращаться к науке и искусству, вызывало рост потребности в знаниях, в обществе, поднимало общественный престиж образованных людей. В это время получила развитие новая буржуазная идеология, возникло новое мировоззрение, которое получает название «гуманизм» (от лат. Ьитапш - человечный).

Представители гуманизма итальянского Возрождения подвергли критике всю систему феодального мировоззрения. Они отвергли церковные догмы, выступили против контроля церкви над деятельностью человека, отрицали церковную пропаганду аскетизма, утверждали право человека на земное счастье. Лозунг гуманистов: «Ячеловек и ничто человеческое мне не чуждо!»

Художники и писатели стараются правдиво изображать природу и человека, именно человека, одаренного безграничными творческими возможностями, способного изменить окружающий мир. Поэтому возникает в это время такой горячий интерес к античности, ее культуре и искусству. Архитекторы, скульпторы, живописцы стараются в своем творчестве возродить традиции мастеров античности (отсюда и термин

Возрождение или Ренессанс). Данте (1265-1321)

Этапы Возрождения:

У Ранний Ренессанс (триченто и кватроченто) - с середины ХІV-ХV ст.

У Высокий Ренессанс (чинквеченто) - до второй трети ХVІ столетия.

У Поздний Ренессанс - вторая треть ХVІ - первая половина ХVІІ ст.

Ранний Ренессанс. Картина развития итальянской ренессансной культуры очень разнообразна, что обусловлено разным уровнем экономического и политического развития разных городов Италии, разным уровнем могущества и силы буржуазии этих городов-государств, городов-коммун, их разным уровнем связей с феодальными традициями.

Ведущими художественными школами в искусстве итальянского Ренесанса были в XIV ст. сиенская и флорентийская, в XV ст. - флорентийская, умбрийская, падуан- ская, в XVI ст. - римская и венецианская. К этому времени относится творчество таких известных поэтов-флорентийцев, как Данте («Божественная комедия»), Франческо Петрарка (сонеты «Книга песен»), Джованни Бокаччо («Декамерон»); художников Сандро Боттичелли («Рождение Венеры»), Джотто ди Бондоне (фрески «Поцелуй Иуды», фрески капеллы дель Арена в Падуе); архитектора Филиппо Брунеллески (строительство купола Флорентийского собора).

Высокий Ренессанс. С конца XV ст. Италия начинает ощущать все последствия невыгодного для нее экономического соперничества с Португалией, Испанией и Нидерландами. Северные города Европы организуют ряд военных походов на разрозненную Италию, которая теряет свое могущество. В этот трудное для нее время и наступает короткий «Золотой век» итальянского Возрождения - Высокий Ренессанс.

Этот трудный период, который совпал с периодом жестокой борьбы итальянских городов за свою независимость, вызвал к жизни идею объединения страны, идею, которая не могла не волновать лучшие умы Италии.

Период Высокого Ренессанса связан, прежде всего, с именами трех гениальных мастеров Возрождения - Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти. В творчестве этих представителей Высокого Возрождения достигли вершины реалистические и гуманистическиеосновы культуры Ренессанса: в искусстве прославляется образ человека прекрасного, гармонично развитого, сильного духом и телом, который смог подняться над повседневностью. Поиск такого идеала и привел искусство к синтезу, обобщению, к раскрытию общих закономерностей явлений, к выявлению ее логического

Леонардо да Винчи (1452-1519) едва ли имеет равных себе по степени одаренности и универсальности среди представителей Возрождения. Леонардо одновременно был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, механиком, астрономом, физиологом, анатомом, ботаником. Его научные открытия и изобретения в области летательных аппаратов не утратили своего значения и на сегодняшний день. Тысячи страниц рукописей Леонардо охватывают буквально все области знаний и свидетельствуют об универсальности гения.

Основные произведения живописи: 1.

Автопортрет (около 1512-1515 гг.). 2.

Мадонна Бенуа (1478 г.). 3.

Дама с горностаем (около 1485 г.). 4.

Мадонна Литта (1490 г.). 5.

Портрет Моны Лизы («Джоконда») (1503-1506 гг.).

Одной из наиболее знаменитых картин в мире является портрет женщины купца дель Джокондо Моны Лизы. О портрете написано сотни страниц: как Леонардо устроил сеансы, приглашая музыкантов, чтобы не угасала на лице модели улыбка, как долго (что характерно для Леонардо) работал над портретом, как старался совершенно передать каждую черту этого живого лица. Портрет Моны Лизы - это решительный шаг по пути развития ренессансного искусства. Впервые портретный жанр стал на один уровень с композициями на религиозную и мифологическую тему.

В этом портрете трудность задачи, которую поставил перед собой большой художник, состояла в том, чтобы на картине был отображен не один какой-нибудь момент состояния человека, а сложный и продолжительный процесс его душевной жизни.

Среди многочисленных новаций Леонардо следует назвать особую манеру письма, которая получила название дымчатой светотени («сфумато», от итал. ?ишо - дым). Нежная улыбка Моны Лизы в объединении с открытым взглядом умных, чуть насмешливых глаз «сфумато» раскрывают противоречивость, невыразительность и многогранность ее натуры. Именно эта неуловимость скрытых ощущений заставляет многих критиков считать образ Моны Лизы загадочным и таинственным.

Идеи монументального искусства Возрождения, в которых слились традиции античности и дух христианства, нашли наиболее яркое отображение в творчества Рафаэля Санти (14831520). В его искусстве нашли зрелое решение две основные задачи: пластическое совершенство человеческого тела, которое отображало внутреннюю гармонию всесторонне развитой личности, в чем Рафаэль наследовал античность, и сложное разнообразие мира.

Никто из мастеров Возрождения не воспринимал так глубоко и естественно языческую сущность античности, как Рафаэль; неслучайно его считают художником, который наиболее полно связал

античные традиции с западноевропейским искус- Леонардо да Винчи.

ством новой поры. Портрет Моны Лизы («Джоконда»)

На протяжении всей жизни Рафаэль ищет образ гармонично совершенного человека. Этот образ он нашел в Мадонне, многочисленные изображения этого образа принесли ему всемирную славу. Заслуга художника состоит в том, что он сумел выразить тайные оттенки чувств и идеи материнства, соединив лиричность и глубокую эмоциональность с монументальным величием. Это видно во всех его Мадоннах, начиная с юной и стыдливой «Мадонны Конестабиле» и в особенности в вершине рафаэлевского духа и мастерства - в «Сикстинской Мадонне». Без сомнения, это был путь преодоления простодушного толкования беззаботной и светлой материнской любви к образу, наполненного высокой духовностью

Мадонна Конестабиле и трагизма, построенном на со

вершенном гармоническом ритме:

пластическом, колоритичном, линейном. Но это был также путь последовательной идеализации. Тем не менее, в «Сикстинской Мадонне» это идеализирующее начало отходит на второй план и уступает место трагическому ощущению, которое исходит от этой идеально прекрасной молодой женщины с грудным ребенком - Богом на руках, которого она отдает для искупления человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен мимо зрителя, преисполнен скорбного предвозвещения трагической судьбы сына (взгляд которого тоже не младенчески серьезен). «Сикстинская Мадонна» - одно из наиболее совершенных произведений Рафаэля и в образном языке композиции: фигура Марии с грудным ребенком четко обрисовывается на фоне неба, объединенная общим ритмом движений с фигурами св. Варвары и Сикста IV, жесты которых обращены в направлении Мадонны, как и взгляды двух ангелов в нижней части композиции. Фигуры объединены общим золотым колоритом, который будто символизирует божий свет. Но главное - это тип лица Мадонны, в котором воплощен синтез идеала красоты с духовностью христианского идеала, который был очень характерен для мировоззрения Высокого Возрождения.

Рафаэль получил также известность благодаря своим архитектурным проектам дворцов, вилл, церкви и небольшой часовни в Ватикане. Он был назначен руководителем строительства купола Собора св. Петра.

Рафаэль был выдающимся портретистом своей эпохи, создал такой вид изображения, где, кроме соответствующих отдельных черт, выступает образ человека эпохи (портреты «Папа Юлий II», «Лев Х»).

Третий выдающийся мастер Высокого Возрождения - Микеланджело Буонарроти (1475-1564), скульптор, архитектор, живописец и поэт. Несмотря на его разнообразные таланты, его называют первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника - росписи свода Сикстинской капеллы в Ватикане (1508-1512), общая площадь фрески 600 м2 на высоте 18 метров.

Особенно выделяется из живописных работ мастера фреска «Страшный суд» - фрагмент алтарной стены Сикстинской капеллы.

Центральную часть потолка Микеланджело посвятил сценам священной истории, начиная от создания мира. Под живописным карнизом он написал пророков, изобразил эпизоды из Библии и предков Христа как простых людей, занятых будничными делами. Основная идея росписи - апофеоз творческого могущества человека, прославление его телесной и духовной красоты. Смелость художника в изображении обнаженных тел вызвала негодование церкви, что свидетельствовало о начале наступления реакции на основы идеологии Возрождения.

Живописец, скульптор, поэт Микеланджело был также и гениальным архитектором: парадные ступеньки флорентийской библиотеки Лоуренциа- ни, оформленная площадь Капитолия в Риме, восстановленные ворота Пиа (Porta Pia).

Подлинное признание как архитектор и скульптор Микеланджело Буонарроти приобрел как автор проекта и руководитель строительства здания Собора св. Петра в Риме, который до настоящего времени остается самым крупным католическим храмом в мире.

Не меньшую известность принесли ему архитектурные и скульптурные работы во Флоренции: гробница папы Юлия II и гробница Медичи.

Наиболее полно талант Микеланджело раскрылся в скульптуре. Начиная с первой своей работы «Вакх», в которой он изображает античного бога вина оголенным юношей, оголенное прекрасное тело отныне и навсегда становится для Микеланджело главным и, в сущности, единственным предметом искусства.

Одна из ранних работ Микеланджело - статуя Давида высотой свыше пяти метров, которую он создал для своей родной Флоренции, так как именно Давид защищал свой народ и справедливо им правил. Установка этой

статуи перед домом правительства Флоренции имела особое политическое значение: в это время, в самом начале XVI ст., Флорентийская республика, изгнав своих внутренних тиранов, была готова бороться как с внутренними, так и с внешними врагами. Хотели верить, что маленькая Флоренция может победить, как когда-то юный мирный пастух Давид победил великана Голиафа.

Наиболее любимыми поэтическими формами Микеланджело были мадригал и сонет, в которых он воспевал любовь, обращался к темам горького разочарования и одиночества художника-гуманиста в мире, где царит насилие. Эти трагические настроения звучат в стихотворении последнего титана эпохи Возрождения «Ночь»:

Отрадно спать, отрадней камнем быть

О, в этот век, преступный и постыдный,

Не жить, не чувствовать - удел завидный.

Прошу, молчи, не смей меня будить.

Историческое значение искусства Микеланджело, его влияние на современников и на следующие эпохи тяжело переоценить. Некоторые исследователи трактуют его как первого художника и архитектора барокко. Но больше всего он интересен нам как носитель вели- Микеланджело. Статуя Давида ких реалистических традиций Ренессанса.

ГЕРОИЧЕСКИЙ ЭПОС СРЕДНЕВЕКОВЬЯ

«Песнь о Нибелунгах» – памятник немецкого героического эпоса. Поэма, состоящая из тридцати девяти песен (авантюр), создана в австрийских землях около 1200 г. Две части поэмы используют разные источники и воспроизводят различные исторические события. Гете говорил о «Нибелунгах»: «Обе части отличаются друг от друга. В первой больше пышности, во второй – больше силы. Но обе части как по содержанию, так и по форме стоят друг друга».

Исторической основой поэмы является гибель Бургундского царства, разрушенного в 437 г. гуннами. В поэме эти события получают новое осмысление, да и весь бытовой колорит песни больше связан с феодально-рыцарской Германией XII в., чем с жизнью варварских племен V в. Рыцарские обычаи, как изображается в поэме, царят при дворе бургундских королей. В облике юного рыцаря выступает храбрый великодушный Зигфрид Нидерландский, полюбивший по слухам о ее красоте прекрасную Кримхильду. В древнейших сказаниях Зигфрид – сирота, воспитанный в лесу кузнецом; герой, убивая дракона, приобретает магическую неуязвимость (искупался в его крови), завладевает кла­дом (сокровищами Нибелунгов). Бургундский король Гунтер желает вступить в брак с исландской королевой Брюнхильдой. Зигфрид берется помочь ему в сватовстве. Но эта помощь связана с обманом: богатырский подвиг, свершение которого является условием успешного сватовства, на самом деле совершает не Гунтер, а Зигфрид, укрывшийся под шапкой-невидимкой. Брюнхильду уверяют, что Зигфрид всего лишь вассал Гунтера, и она горюет из-за неравного брака, в который вступила сестра ее мужа Кримхильда.

Спустя годы по настоянию Брюнхильды Гунтер приглашает Зигфрида с Кримхильдой к себе в Вормс, и здесь во время перепалки королев (чей муж доблестнее?) обман раскрывается. Оскорбленная Брюнхильда мстит обидчику Зигфриду, который отдал своей жене перстень и пояс, снятые с нее. Месть осуществляет вассал Гунтера злобный и коварный Хаген. Зигфрид предательски умерщвлен на охоте, а золотой клад, некогда отвоеванный Зигфридом у сказочных Нибелунгов, королям удается выманить у Кримхильды. Хаген скрывает его в водах Рейна.

Минуло тринадцать лет. Гуннский властитель Этцель (Аттила) овдовел и ищет новую супругу. До Двора Этцеля дошел слух о красоте Кримхильды, и он отправляет посольство в Вормс. После долгого сопротивления безутешная вдова Зигфрида соглашается на второй брак для того, чтобы отомстить за убийство любимого. Еще спустя тринадцать лет она добивается у Этцеля приглашения ее братьев к ним в гости. Несмотря на попытки Хагена предотвратить визит, грозящий стать роковым, бургунды отправляются с Рейна на Дунай. Сразу же вспыхивает ссора, перерастающая во всеобщую резню, в которой погибают бургундские и гуннские дружины, сын Кримхильды и Этцеля. В живых остаются стенающие от горя Этцель и Дитрих.

«Песнь о Нибелунгах» литературно оформилась в начале XIII в., и на нее очевидное воздействие оказал распространенный в то время рыцарский роман с описаниями придворной жизни, любовного служения, норм рыцарской чести. Но сквозь это обрамление проступают очертания германских сказаний дофеодального периода: о юном Зигфриде, его победе над драконом и завоевании клада Нибелунгов.

В различных сферах пространства «Песни о Нибелунгах» развертывается и протекает собственное время. Страна Нибелунгов – местность, пребывающая в сказочном «первобытном» времени. Здесь возможны подвиги богатырей, добывание клада, шапки-невидимки, поединок героя Зигфрида с Брюнхильдой.

Страна прошлого, но уже не сказочно-эпического, страна Этцеля, гуннская держава. Вормс в эпопеи как бы двоится. Он занимает одну и ту же точку в пространстве, но они расположены и в эпохе около 1200 г. и в эпохе Великих переселений.

Наличие разных пространственно-временных единств приводит к тому, что герои, перемещаясь в пространстве, переходят из одного времени в другое. Зигфрид, сказочный победитель дракона, прибывает в Вормс – из седой старины он приходит в куртуазную современность. Напротив, когда Гюнтер едет из Вормса в Изенштейн за невестой, он перемещается из современности в древность. Любопытно, что переход из одного пространства-времени в другое совершается каждый раз преодолением водной преграды: нужно переплыть море, что бы добраться до страны Нибелунгов. Воды Дуная оказываются тем рубежом, за которым начинается иное время для путников, покинувших Вормс. Таким образом, перемещение героев эпопеи из одного времени в иное приобретает новый смысл: это не просто путешествие – такие перемещения имеют мифологический характер, наподобие сказочных визитов героев мифа в иной мир.

Поэтому и судьбы героев обусловлены не стечением обстоятельств – они детерминированы тем, что герой, покидая родную почву попадает в мир не соответствующий его природе. Тем самым его гибель оказывается неизбежной и вполне мотивированной.

РЫЦАРСКАЯ (КУРТУАЗНАЯ) ЛИТЕРАТУРА XII – XIII ВЕКОВ

В XII веке в европей­ской литературе складывается новый жанр – рыцарский роман. Центральный герой рыцарского романа – рыцарь (идеальный или близкий к идеалу по меркам куртуазии). Он показан в дей­ствии – путешествующим в одиночку или с минимальным окру­жением и совершающим подвиги. Странствия рыцаря – принци­пиальный момент, организующий структуру «романа дороги»: в ходе передвижений рыцаря открываются возможности продемон­стрировать его рыцарские качества, рассказать о его подвигах. Фигура рыцаря еще не индивидуализирована (от романа к роману меняются имена главных героев, но их идеализация делает их по­хожими друг на друга). В отличие от рыцарей из героического эпоса, герои рыцарских романов наделяются личными мотива­ми совершения подвигов: не во имя страны, народа, рода, религи­озной веры, а во имя Дамы сердца или во имя личной славы.

Романы о Тристане и Изольде.

Произведение написано по иной модели, чем типичные рыцарские романы, в нем есть лишь элементы конструкции «романа дороги», почти не представлены куртуазные правила любви, есть несколько очень древних элементов. Таково начало романа: король Марк под давлением придворных дает согласие на женитьбу. Но жениться он не хочет. В зал влетает птица и роняет из клюва золотой волос. Король отправляет своих приближенных на поиски девушки с такими волосами – только на ней он женится. Это очень древний мотив, в котором нет ни тени намека на куртуаз­ное понимание любви. На поиски девушки отправляется и пле­мянник Марка Тристан, по дороге сражается с драконом (также древний мифологический мотив). Его, раненого, потерявшего сознание, находит и излечивает Изольда. Открыв глаза и увидев девушку с золотыми волосами, не зная еще, что это ирландская принцесса Изольда, Тристан испытывает сильное чувство – пред­вестник большой любви. Возникает моральный конфликт: как вассал Марка, Тристан должен доставить девушку королю, а как человек он испытывает к ней (причем взаимно) привязан­ность, которая неминуемо должна перерасти в любовь.

Вот здесь и сказывается гениальность неизвестного автора. Оче­видно, он сам раздираем противоречием: как человек XII в., он защищает принципы вассальной верности, святости феодального брака и одновременно хочет воспеть силу любви, которая, согласно куртуазной концепции, возникает вне брака. Как выйти из этого противоречия? И писатель находит свой, авторский способ разрешения конфликта: он соединяет легенду о любви Тристана и Изольды с другой легендой – о волшебном напитке. Во время возвращения на корабле из Ирландии в Британию молодые герои случайно (случай – новый элемент авторского повествования) выпивают любовный напиток, изготовленный служанкой Изоль­ды, желавшей помочь своей хозяйке и Марку преодолеть отчуждение и испытать в браке любовь, которую никакой силой нельзя разрушить. Теперь любовь Тристана и Изольды, зародившаяся с первого взгляда героев друг на друга, вспыхивает как непреоборимая страсть. Мотив любовного напитка позволяет автору снять все моральные обвинения по отношению к Тристану и Изольде даже после того, как она вышла замуж за короля Марка.

Автор создает роман о несчастной любви, которая тем не ме­нее сильнее смерти. Эта тема станет одной из самых плодотворных сюжетных схем в литературе, отразится в истории Франчески да Римини в «Божественной комедии» Данте (где во втором круге ада рядом с душами Франчески и ее возлюбленного Данте поме­щает тени Тристана и Изольды), в трагедии У.Шекспира «Ромео и Джульетта» и во множестве других произведений.

ТВОРЧЕСКОЕ НАСЛЕДИЕ ДАНТЕ

Данте родился во Флоренции во второй половине мая 1265 г. Род его был дворянским, сторонником партии белых гвельфов (отделившихся от партии черных гвельфов – сторонников папы Бонифация VIII). Гвельфов во Флоренции, как правило, поддерживал народ. В 1293 г. во Флоренции были приняты «Установ­ления справедливости». Это была самая демократическая конституция тогдашней Европы. Юность Данте совпала с расцветом гвельфской республики. Он не был богат, но получил хо­рошее образование и, вероятно, учился в шко­ле правоведения в Болонье. Юношей Данте окунулся в праздничные забавы флорентийского дворянства, и они привели его к знакомству с куртуазной культурой – среди прочего, с ритуалом и поэзией любви. Здесь поэт встретил своего первого друга Гвидо Кавальканти, здесь начал писать стихи, здесь родилось то сообщество поэтов и то понимание поэзии, которому позже, в «Комедии», Данте даст имя «нового сладостного стиля» и которое носит это имя до сих пор. В 1300 году поэт оказался во главе флорентийского правительства, когда отношения с Римом приняли весьма острую форму. В 1302 году, когда Данте вместе с посольством отправился к папе римскому, во Флоренции пала белая синьория и начался черный террор, в результате измены черные гвельфы пришли к власти, Данте вместе с другими белыми гвельфами был изгнан из города. Начались его скитания по городам и весям Италии, Данте стал «партией сам для себя». Он не раз встречал гостеприимных хозяев, но ему было в тягость вечно находиться в гостях: «Ты будешь знать, как горестен устам Чужой ломоть, как трудно на чужбине Сходить и восходить по ступеням». В 1315 году власти Флоренции даровали белым гвельфам амнистию, под которую попадал и Данте, но он вынужден был отказаться от возвращения на родину, так как для этого должен был пройти унизительную процедуру. Тогда городские власти приговорили его и его сыновей к смерти. Летом 1321 года Данте ездил с посольством в Венецию. По дороге обратно заболел болотной лихорадкой и умер на чужбине (1321), в Равенне, где и похоронен.

«Божественная комедия» Данте – центральное произведение в итальянской и мировой литературе. Создана в 1307 – 1321 годах (завершена в год смерти автора). Данте назвал свое произведение просто «Комедия» (так в средние века называли любое произведение на темы Священного Писания, еще две причины – вымышленность предмета описания и наличие среди персонажей лиц неблагородных сословий). Иногда интерпретаторы смысл этого названия видят в том, что действие развивается от плохого к хорошему (от «Ада» к «Раю»), а не наоборот (тогда бы «трагедия»). Эпитет «божественная» прибавлен Боккаччо, великим итальянским писателем эпохи Возрождения, первым исследователем творчества Данте. При этом Боккаччо вовсе не имел в виду содержание поэмы, где речь идет о путешествии по загробному миру и лицезрении Бога, «божественная» в его устах означало «прекрасная».

В этом всеобъемлюще универсальном произведе­нии запечатлена вся вселенная. Воронкообразный провал в северном полушарии – это ад с его девятью кругами. Ад дождется своих жертв. Самым виновным суждено терзаться внизу, в когтях Люцифера, который из ан­гела превратился в чудовище. Кому-то – повыше и полегче, в одном из девяти кругов Ада и в зависимо­сти от того, насколько тяжко провинился при жизни. Гигантская гора в центре пустынного, покрытого океаном южного полушария – чистилище, на вершине его – Эдем. В Чистилище попадают души хотя не безгрешные, но заслужившие избавле­ние от Ада. В Аду мучения вечные, в Чистилище – временные: после очистительных, искупительных мук предстоит переселение в Рай.

Черты средневекового мировоззрения обнаруживаются и в композиции произведения, в котором велика роль мистических чисел 3, 9, 100. поэма делится на три кантики (части). В каждой кантике по 33 песни, итого вместе со вступительной песнью поэма состоит из 100 песен. Ад подразделяет на 9 кругов в соответствии с тяжестью и характером грехов. На 7 уступах Чистилища наказываются 7 смертных грехов. Рай состоит из 9 сфер. Число три присутствует и в строфике поэмы, которая разбита на терцины – трехстишия.

О том, что происходило в Аду, Чистилище и Раю тогда, когда у живых землян была весна 1300 г., Дан­те рассказал как очевидец, посетивший все три за­гробные царства. Тем самым он поставил себя в иск­лючительное положение, поскольку живым вход в потусторонний мир недоступен. Впрочем, Данте называет своих предшественников, проникавших в загробный мир при жизни: Эней, апостол Павел. Считается, что толчком к созданию поэмы стал сон Данте в 1300 году. По крайней мере, эту дату подтверждают первые строки поэмы: «Земную жизнь пройдя до половины, Я очутился в сумрачном лесу, Утратив правый путь во тьме долины». Половина жизни, по средневековым представлениям, – 35 лет, которых Данте достиг в 1300 году.

Герой поэмы исправляет в ходе своего загробного странствия самого себя и показывает путь исправления всем людям. Данте заблудился в «сумрачном лесу» – это его личное заблуждение (лес – аллегория земной жизни, полной греховных заблуждений), он пытается подняться к «выси озаренной» – это его личная попытка обрести спасение. Его теснят обратно три зверя, аллегории трех пороков (лев – Гордость, волчица – Алчность и пантера – Сладострастие). Это личная немощь вынуждает его отступать, но вот приходит ему на помощь Вергилий и говорит, что нужно избрать другой путь, и выясняется, что волчица враждует не с одним Данте и оборона от нее будет обороной всего рода человеческого. Данте страшится предстоящего ему испытания, он не чувствует себя достойным пройти по следам Энея и Павла; Вергилий рассеивает его сомнения. Он не говорит, конечно, что Данте равен его предшественникам на этом пути, но и не отрицает, что путь этот – один и тот же. Так уже в начальных песнях поэмы оформляется; пока еще смутно и неопределенно, представление о возложенной на Данте миссии. Вергилий (Земная мудрость: разум, воплощенный в философии, науке, искусстве) прислан поэту на помощь Беатриче (Небесной мудростью: верой и любовью), чья душа пребывает в Раю. Таким образом, устанавливается, что Небесная мудрость выше Земной мудрости и управляет ею. Данте, ведомый Вергилием, проходит 9 кругов Ада и 7 уступов Чистилища, а под руководством Беатриче пролетает через 9 сфер Рая и зрит Божественный свет.

У входа в Ад надпись: «Войдите мною в скорбный град мучений, / Войдите мною слиться с вечной болью, / Войдите мною к сонмам падших теней». Так начинается путешествие по кругам Ада. Всюду мученики, всюду мучения. Торжествует высшая справедливость. Едва миновав врата ада, Данте встречает толпу «жалких душ, что прожили не зная ни славы, ни позора смертных дел» – их отвергла жизнь и не принимает смерть. В первом круге ада, Лимбе, он созерцает сонм титанов духа, воинов, государей, мудрецов, поэтов, – они не знали истинной веры и потому не достойны блаженства, но они прославлены добродетелью и доблестью и потому не повинны адским мукам. Во втором круге он говорит с Франческой, ввергнутой в ад за любовь, заставившую ее преступить клятву супружеской верности. Его собеседник в третьем круге – Чакко, личность ничем не замечательная, не оставившая следа ни в большой истории, ни в биографии Данте; единственная его отличительная черта – то, что он флорентинец, первый из тридцати трех уроженцев Флоренции, встреченных Данте в царстве мертвых. Три начальных круга, и все главные темы, связанные с миром персонажей «Божественной Комедии», уже обозначены. Тема ничтожества и величия человека – в противопоставлении «жалких душ», не допущенных даже в ад, и «многочестного сонма» первого круга.

Тема любви в рассказе Франчески и, что существенно, тесно сплетенная с темой поэзии: и сама история Франчески (любовь вассала и жены сюзерена, центральный сюжет высокой лирики) скрыто к ней подводит, и ответ Франчески на вопрос Данте «что было вам любовною наукой?» – чтение куртуазного романа, прямо на нее указывает. И наконец, в словах Чакко – тема

Флоренции, родного города Данте, гражданского его нестроения; в дальнейшем рядом с этой темой вырастут и разовьются, здесь едва намеченные, тема личной судьбы Данте и тема человечества в критический момент его истории.

«Комедия» была замыслена автором как небывалый по своей грандиозности надгробный памятник любимой женщине – Беатриче, которая скончалась еще в 1290 году. В самом деле, ее нельзя не признать главной героиней поэмы. Однако воспета не только любовь к ней, но и любовь в неизмеримо более широком значении – как великая сила, создавшая мир

Буквальный смысл «Комедии» – изображение судеб людей после смерти. Аллегорический смысл заключается в идее возмездия: человек, наделенный свободой воли, будет наказан за совершенные грехи и вознагражден за добродетельную жизнь. Моральный смысл поэмы выражен в стремлении поэта удержать людей от зла и направить их к добру. Высший смысл «Божественной комедии» заключается для Данте в стремлении воспеть Беатриче и великую силу любви к ней, спасшую его от заблуждений и позволившую написать поэму.

Движение к ренессансному антропоцентризму. Велика роль «Комедии» в формировании нового взгляда на человека. Очень существенно, что в поэме по загробному миру путешествует не душа спящего (как это было, например, в средневековой «Видении Тнугдала»), а сам поэт во плоти. Он освобождается от грехов не традиционным церковным путем, не через молитвы, посты и воздержание, а ведомый разумом и высокой любовью. Путешествие по загробным царствам – решающий момент духовной биографии Данте, момент перелома, отречения от былых заблуждений и обретения свободы и света. Именно здесь, в душе, происходит встреча вечности и времени, неба и земли, космоса и истории. Разум и любовь приводят поэта к созерцанию божественного света. Отсюда одна из важнейших идей «Божественной комедии»: человек не ничтожество. Опираясь на то, что дано ему свыше – на разум и любовь, он может достичь Бога, он может достичь всего. Так в «Комедии» Данте, подводившей итог достижениям средневековой культуры, возникает ренессансный антропоцентризм (представление о человеке как центре мироздания), рождается гуманизм эпохи Возрождения.

ЧЕЛОВЕК И МИР ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

1. Гуманизм: его философские и социальные корни. Эстетика гуманизма.

2. Художественные открытия гуманистов.

Долгое время исследователи исходили из резкого противопоставления средних веков и Ренессанса. Средние века – это господство церковной догмы, отсутствие яркого развития науки и искусства, мистика и мракобесие. Ренессанс, наоборот, отбрасывает всю эту «ночь» Средневековья, обращается к светлой античности, к ее свободной философии, к скульптуре обнаженного человеческого тела, к земной жизни. Сейчас эта абстрактно-метафизическая концепция противопоставления двух культур изжила себя. Новый образ жизни и новое мировоззрение, с одной стороны, были антиподом всей тысячелетней средневековой культуре. Это была светская культура, искусство, наука. Однако, с другой стороны, средневековье тоже использовалось здесь в максимальной степени. Даже само понятие возрождения и даже самый термин «возрождение» имели не только средневековое, но прямо библейское происхождение. В Новом завете постоянно говорилось о возрождении, о новой человеке, о новом духовном возрождении. И итальянские возрожденцы действительно хотели возродиться и жить какой-то новой жизнью.

Традиционно Возрождение связывают с европейской культурой, и хотя в разных странах оно относится к разному времени, удобно воспользоваться схематичной периодизацией итальянского Возрождения, самого раннего и одновременно базового для европейского ренессанса в целом: XIV век – Раннее Возрождение, XV век – Высокое Возрождение, XVI век – Позднее Возрождение. К этому времени относятся такие грандиозные трансформации, как переход от гегемонии сельской к гегемонии городской культуры; формирование больших государств и наций; становление национальных языков и национальных культур. Возникает новый культурный идеал – «универсальный человек», реализующий себя в различных областях деятельности. Великие географические открытия, путешествия Васко да Гамы, Колумба Магеллана, Дрейка за короткий исторический срок полностью меняют представления европейцев о масштабах Земли. Открытие прямой перспективы в живописи связано с этим процессом: на смену вертикальной концепции мира приходит горизонтальная концепция, связанная с интересом к земным просторам, а не к небесным высям.

Эпоха Возрождения с ее гуманистическими принципами проявилась в Италии, в ее литературе и искусстве раньше, чем в других европейских странах. Связано это было с более ранним, чем в остальной Европе, развитием городов, этих центров ремесел и торговли с их своеобразными, отличными от классических феодальными общественными отношениями, несущими ростки буржуазного миропонимания. Здесь рождались и новые тенденции в отношении к людям, их реальным устремлениям и жизни, развивалась своя культура. Главным ее стержнем было устремление к духовной свободе человека (отсюда и «гуманизм» – от латинского слова, означающего «человек»).

Само название этого времени в ходе эволюции культуры возникло от желания гуманистов возродить богатства культуры, в частности стремление к духовной свободе, которые накопило за античный период своей истории человечество. Вначале обращение деятелей Возрождения к античному наследию ограничивалось интересом к его изобразительному искусству, наполненному поклонением перед физическим совершенством человека в противоположность бытовавшей тогда проповеди аскетизма, угнетения живой плоти. Постепенно росла вера в возможности самого человека активно, действенно строить свою жизнь, быть созидателем на земле. Так он становится главным объектом изображения великих художников той эпохи – Леонардо да Винчи, Франческо Петрарки, Джованни Боккаччо. Микеланджело.

Чрезвычайно энергично выдвигается в эпоху Возрождения примат красоты, и притом чувственной красоты. Бог создал мир, человек тоже его создание. Мир прекрасен, прекрасно гармоничное человеческое тело.

2. Впервые гуманистическая концепция человека и его земных достоинств была изложена в трактате Джаноццо Манетти «О достоинстве и превосходстве человека». В своем труде Манетти решительно полемизирует с папой Иннокентием III, который написал трактат «О презрении к миру, или О ничтожестве человеческой жизни». В противоположность ему итальянский гуманист любуется как духовной, так и физической красотой человека, являющегося детищем природы. Ведь не случайно античные скульпторы и живописцы, не найдя образа прекраснее человеческого, стали изображать богов в виде людей. Манетти восхищается многообразием человеческих чувств. Его радует, что человек в отличие от животных способен ценить мудрость и красоту. Его восхищает процесс познания, высоко возносящего человека. Он решительно не согласен с Иннокентием III и другими проповедниками аскетизма, для которых человек всего лишь «хрупкое, бренное и ничтожное существо». Доводы папы ему представляются «построенными на песке». Он с восторгом говорит о человеческом разуме, о силе которого свидетельствуют великие деяния и изобретения, в том числе подвиги мореплавателей, открывающих новые земли, замечательные творения зодчих, скуль­пторов, живописцев, историков и поэтов. Восхищает Манетти и красота мира, подвластного человеку, и творческий гений человече­ства, преобразующего природу. «Познавать и действовать» – вот, по словам Манетти, естественная и благородная задача человеческого рода.

В трактате Манетти гуманистическая философия бросала вызов застывшим средневековым канонам. И нет ничего удивительного в том, что испанская инквизиция внесла трактат итальянского гуманиста в индекс запрещенных книг.

Одним из наиболее своеобразных итальянских мыслителей эпохи Возрождения является Джованни Пико дела Мирандола. Полиглот, эрудит, искатель новых путей в науке и философии, он вызывал восхищение гуманистов и обвинения в опасном вольнодумстве со стороны церковных властей. Молодой философ даже был арестован агентами инквизиции, и только заступничество Лоренцо Медичи спасло его от церковного суда. Он на огромную высоту возносил человека.

ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МИР ПЕТРАРКИ

1. Франческо Петрарка (1304 – 1374) – первый европейский гуманист, родоначальник новой европейской поэзии. Отец поэта был представителем партии белых гвельфов и вместе с Данте в 1302 году был изгнан из Флоренции. Родившийся в изгнании сын взял впоследствии в качестве поэтического имени латинизированное прозвище отца – Петрарка. По настоянию отца Петрарка получает юридическое образование, но юриспруденцией не интересуется. Его ста­ла римская античность – ей он посвятил всю жизнь. Позже поэт называл Цицерона своим отцом, а Вергилия – братом. Латинским языком Петрарка овладел столь же хорошо, сколь знал с детства родной – итальянский, а со­бранная им библиотека древнеримских авторов сла­вилась на всю Европу.

В Авиньоне 6 апреля 1327 г. во время утренней мессы в церкви Петрарка впервые увидел прекрасную юную даму по имени Лаура, которую безответно полюбил на всю жизнь и вос­пел в своих стихах, вошедших в «Книгу песен» – самое знамени­тое его произведение.

«Книга песен» – лирическая исповедь поэта. Как и «Новая жизнь» Данте, «Канцоньере» – рассказ о любви к женщине, о любви неразделенной. Ее стержень – образ Лауры. 6 апреля 1348 г., в год «черной смерти» – чумы, охватившей Европу, и в день 21-й годовщины первой встречи с Петраркой Лаура умерла. Отсюда разделение книги на две час­ти: «На жизнь Мадонны Лауры» и «На смерть Мадонны Лауры». В первой части основой поэтической образности становится срав­нение Лауры с нимфой Дафной (обратившейся в лавр, священ­ное дерево Аполлона, покровителя поэзии). Во второй части Лау­ра, подобно Беатриче в «Божественной комедии» Данте, высту­пает небесным ангелом-защитником Петрарки. Лаура, идеал красоты и духовного совершенства, не превращается у Петрарки в символический бесплотный образ, подобно мадоннам средневековых поэтов. В стихах возникает живой образ прекрасной женщины, причем ее красота – это и есть красота реального мира. Любовь, пробужденная Лаурой, осталась безответной, но это вполне земная страсть. В первой части цикла трагические переживания поэта рождены суровой недоступностью возлюбленной и ощущением греховности его земных чувств. Во второй части, посвященной умершей Лауре, Петрарка скорбит о своей утрате и возлюбленная поэта является ему в грезах. Лаура второй части сборника парадоксальным образом стала ближе. Она как бы смягчилась к поэту, перестав быть недоступным земным божеством и превратившись в его небесную утешительницу. Петрарке, в отличие от Данте, не удается полностью стряхнуть земное и самозабвенно устремиться за манящей в вечность любовью.

Лучшие статьи по теме